Libro: “El Espacio Vacío” – El teatro tosco

La RAE define tosco(1) como “grosero, sin pulimento ni labor”. A su vez, grosero significa “basto, ordinario y sin arte”. Brook comienza el capítulo diciendo:

“Siempre es el teatro popular el que salva a una época. A través de los siglos ha adoptado muchas formas, con un único factor común: la tosquedad. Sal, sudor, ruido, olor: el teatro que no está en el teatro, el teatro en carretas, en carromatos, en tablados, con el público que permanece en pie, bebiendo, sentado alrededor de las mesas de la taberna, incorporado a la representación, respondiendo a los actores […]”

Es necesario un elemento tosco en el teatro. En la música, por ejemplo, el sonido del violín está compuesto en buena proporción por ruido: el raspar del arco con la cuerda. Los arquitectos, dice Brook, “siguen sin querer aceptar esa exigencia, y de ahí que año tras año las experiencias teatrales más vivas se realizan fuera de las salas construidas para ese propósito”.

El teatro tosco está próximo al pueblo. Su característica es la ausencia de lo que se llama estilo. El estilo necesita ocio, mientras que un espectáculo montado en condiciones toscas es como una revolución, ya que todo lo que se tiene al alcance de la mano puede convertirse en un arma. El objetivo de este teatro tosco es, en primer lugar, “provocar desvergonzadamente la alegría y la risa.”

“El teatro sagrado se ocupa de lo invisible, y éste contiene todos los ocultos impulsos del hombre. El teatro tosco se ocupa de las acciones humanas, y debido a que es directo y toca con los pies en tierra, debido a que admite la risa y lo licencioso, este tipo de teatro al alcance de la mano parece mejor que el sacro.”

Brook habla de Bertolt Brecht, hombre muy influyente en el teatro de entonces, y figura del teatro universal. Brecht introduce el concepto de “alienación”: usar mecanismos de distanciamiento como los apartes y las máscaras para evitar que el espectador se identificara con los personajes de la escena (2). Esa distancia la consideraba esencial para el proceso de aprendizaje del público pues reducía su respuesta emocional y le obligaba a pensar. Es así que la alienación y el happening tienen efectos similares y opuestos: este busca derribar las barreras levantadas por la razón y aquella busca transferir a la obra lo mejor de nuestra razón. Brecht quería desaparecer del escenario la información inútil que puede absorber la atención a costa de algo más importante. Por ejemplo podía cortar el desarrollo de características y sentimientos que se relacionaban solo con el personaje, si es que veía que la claridad de su tema estaba amenazada. Al contrario de la tendencia de los actores de presentar al personaje lo más completo posible, Brecht encontró otro objetivo: completo no significa necesariamente “semejante a la vida”. Cada actor ha de estar al servicio de la obra y solo cuando “el actor se vea en relación con la totalidad de la obra, no sólo se dará cuenta de que la excesiva caracterización se opone a menudo a las necesidades de la pieza, sino también de que demasiadas características innecesarias trabajan en contra suya y hacen menos convincente su interpretación.”

Hoy, dice Brook, apenas se necesita el teatro y apenas se confía en sus laborantes. Por ello, no cabe suponer que el público se agrupará devota y atentamente. Para lograr captar la atención del público y ganar su fe:

“[…] Hemos de convencer de que no hay truco, nada oculto. Debemos abrir nuestras manos y mostrar que no escondemos nada en nuestras mangas. Sólo entonces podemos comenzar.”

(1) Recordemos que Peter Brook era inglés. La palabra que usó él es “rough” que, creo, tiene una buena traducción en “tosco”.

(2) Tomado de esta página.